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Was diktiert kreative Grenzen. SamArt-Chefarchitekt: „Wir wollen das Publikum auf die Aufführung vorbereiten“




Anforderungen an junge Zuschauer – ein schwieriger Weg

Der Rundgang beginnt im Innenhof des Theaters. Rechts erhebt sich ein Neubau, der schon bald Gäste für Uraufführungen empfangen wird. Auf der linken Seite sind Bauwagen und Zäune zu sehen. Genau an dieser Stelle ist der Bau der dritten Bühne mit dem Haupteingang des Theaters und der zentralen Lobby geplant, die den gesamten Komplex vereinen wird: die erste, zweite Bühne und das bestehende Gebäude, das rekonstruiert wird.

- Wann beginnen die Arbeiten an der dritten Phase?

Wir wissen, was wir anstreben. Das Projekt befindet sich in der Endphase. Wir haben die architektonische Lösung und das Designkonzept des Hauptgebäudes fertiggestellt. Das Album mit konzeptionellen Innenraumlösungen wurde mit der Theaterleitung, mit den Ministerien für Kultur und Bau abgestimmt. Der Abschnitt „Architektonische Lösungen“ ist vollständig erstellt. Die restlichen Abschnitte, die von der Organisation NWIT NII PRII aus St. Petersburg durchgeführt wurden, sind fast fertig.

Im September kam der stellvertretende Kulturminister der Russischen Föderation Nikolai Malakov zur Eröffnung der zweiten Bühne des Theaters. Er sagte, dass derzeit, wo Jugendplattformen, Foren, Studios und Theatern so viel Aufmerksamkeit geschenkt werde, das Projekt der dritten Stufe genau das sei, was nötig sei. Dieses Thema wurde bereits in Samara eröffnet, daher ist es notwendig, die dritte Phase von SamArt abzuschließen.

- Das Projekt der dritten Stufe ist bereits umgesetzt. Viele seiner Abschnitte wurden von Experten begutachtet. Was wird noch benötigt, damit das Projekt in Betrieb genommen werden kann?

Der Abschnitt „Konstruktive Lösungen“ muss präzisiert werden. Der bauliche Teil ist sehr wichtig und beinhaltet die komplexe Aufgabe der Rekonstruktion des bestehenden Gebäudes über der Halle, wo unter anderem technische Systeme untergebracht werden sollen. Der Umbau ist damit verbunden, dass eine neue Ideologie des Innenraums beschlossen wird.

- Es ist noch zu früh, um zu sagen, wann der Bau der dritten Etappe abgeschlossen sein wird. Aber wovon hängen diese Begriffe ab?

Alles hängt vom Budget ab. Schließlich handelt es sich hierbei um eine preisgünstige Einrichtung. Hier sind gemeinsame Maßnahmen der Ministerien für Bau und Kultur erforderlich. Der amtierende Kulturminister Sergej Filippow verfolgt dieses Projekt mit großer Aufmerksamkeit. Eigentlich gehören ihm auch Bauherren, Schauspieler, Theaterdirektoren und der Gouverneur an. Jetzt sind die Interessen aller im Einklang.

- Werden das neue und das bestehende Gebäude in irgendeiner Weise interagieren oder getrennt bleiben?

Jede Warteschlange kann separat funktionieren. Aber es gibt eine Verbindung zwischen allen Hallen. Es gibt sogar die Idee, eine Aufführung von einem Saal zum anderen fließen zu lassen. Es sollte interessant sein und Ihnen die Nutzung aller Plattformen ermöglichen. Die Haupthalle kann auch fragmentarisch genutzt werden, was neue Möglichkeiten eröffnet. Ein wichtiges Element der dritten Etappe wird der Hofraum sein, in dem auch Aktionen stattfinden können. Das Hauptelement dieses Innenhofs wird eine Glaswand sein. Auf die Buntglaswand können beliebige Informationen oder beispielsweise Bilder des alten Samara projiziert werden.

Das ist ein ziemlich komplexes Projekt. Ich wollte nicht nur ein Objekt machen, sondern ein Theater mit großartigen Möglichkeiten für Kinder, Jugendliche und Erwachsene. Heute stellen sie neue Anforderungen an Technologien und Ausdrucksmittel. Mit der Inbetriebnahme der zweiten Stufe eröffneten sich neue Perspektiven bei der Umsetzung der gewagtesten Ideen.

Importsubstitution und Licht

- Im neuen Theater gibt es mehrere Buffets. Gleichzeitig ist das Buffet im Erdgeschoss recht groß, es gibt viele verschiedene Lampen und Bildschirme. Erzählen Sie uns von Ihren Ideen für diese Räume?

Im Erdgeschoss ist das Buffet für mehr als 49 Personen ausgelegt. Auf dem zweiten Buffet ist es kleiner. Wir haben alles streng nach Kalkulation, denn das Projekt ist budgetär, was seinen eigenen Rahmen vorgibt. Beim Buffet im ersten Stock wurde besonderes Augenmerk auf das Licht gelegt. Es stellte sich heraus, dass sich der Raum durch unterschiedliche Beleuchtung leicht verändern lässt. Dies ist ein Theater, und jedes Mal kann es sich ändern und ein neues Bild vermitteln. Der Innenraum weist interessante Elemente auf. Über der Theke stehen beispielsweise einzelne Lampen aus rostigen, gebogenen Rohren. Die Textur ist naturbelassen, die Pfeifen wurden mit Säure behandelt. Es gibt viele solcher Methoden.

- Das Innenprojekt hat sich mehrmals und ziemlich dramatisch verändert. Was war ursprünglich geplant?

Zuerst hatten wir eine Variante mit der Verwendung von OVA-Elementen. Dies sind „Wolken“, Lamellen, alle Arten von Drucken mit eingebauten Lichtern, spezielle Designs und mehr. Ich wollte, dass die Decken wandelbar sind und dass es möglich ist, etwas zu ändern, etwas hinzuzufügen. Ursprünglich war geplant, viele importierte Materialien zu verwenden, aber fast alle wurden durch einheimische ersetzt, was sich als positiv herausstellte. Neue Innenräume wurden fertiggestellt. Das Theater ist modern und die Innenräume wurden in einem zeitgenössischen Stil gestaltet. Für die Lobby und das Foyer, in denen mit der Massenankunft von Menschen gerechnet wird, bestehen die Strukturen aus nicht brennbaren Materialien. Decken – aus abnehmbaren Metallkassetten, aus Perforationen, aus Edelstahl in verschiedenen Konfigurationen. Auf einem Metallrahmen mit Aufhängungen an Kabeln, Rahmenschienen mit der Möglichkeit einer mobilen Anordnung der Lampen. Es gibt Beleuchtung von Balken, Säulen, Fragmenten. Die Wände sind mit verschiedenen dekorativen Betonbeschichtungen versehen.

Stil und Modernität

- Können Sie den spezifischen Stil nennen, in dem das Innere des Theaters gestaltet ist?

Die Frage ist schwierig. Es gibt Minimalismus, Hightech und Loft. Ich denke, dass der Innenraum diesen Richtungen am nächsten kommt. Dies bietet Möglichkeiten für verschiedene Manipulationen mit dem Raum. Im dritten Stock gibt es einen Raum, der ganz anders ist als alles andere. Dies ist ein klassisches Interieur – ein Mini-Konferenzraum für Gäste, Treffen mit Journalisten.

- Diese Stile erfordern die Arbeit mit bestimmten Materialien. Aber auch die Besonderheiten des Theaters, in dem häufig Kinderaufführungen stattfinden, setzen der Kreativität gewisse Grenzen. Wie haben Sie unter solchen Bedingungen gearbeitet?

Wir haben spezielle Anti-Vandalismus-Materialien vorgeschlagen, die an überfüllten Orten, insbesondere bei Kindern, benötigt werden. Dabei handelt es sich um Kunstbeton, Dekorbeton, Klinkerfliesen. All dies ist gut zu verwenden. Die Verkleidung der Säulen besteht aus gebogenen Metallkassetten. Die Schnitte werden durch dekorative Handläufe geschützt. Ein hoher Sockel besteht aus Fliesen mit einer Metallkerbe. Alle Ecken sind mit Metallelementen umrahmt. Wir haben versucht, alle Gegebenheiten im Projekt so weit wie möglich zu berücksichtigen.

- Der Innenraum des Theaters, in dem Techniken dieser Stilrichtungen zum Einsatz kommen, könnte düster ausfallen. Welche Entscheidungen wurden getroffen, um dies zu vermeiden?

Die Innenräume sind überhaupt nicht düster. Es gab mehrere Tricks. Beispielsweise gibt es in Lobbys allgemeine, gerichtete, diffuse, kompositorische und Akzentbeleuchtungsoptionen. Ein anderes Licht – ein anderer Innenraum. Dekorative Wandbeläge sind fast alle mit einem gedämpften Glanz versehen. Das verleiht brutalem Beton Leichtigkeit. Der monochrome Innenraum umfasst Sofas mit mehrfarbigen Sitzen. Die Böden sind in Grautönen mit abgenutzten Elementen gehalten und durch rostige Flieseneinlagen belebt. Vorhänge in Form von Jalousien können in mehreren Kombinationen verwendet werden. Es wurden einzelne Inschriften angebracht – Tafeln. Alle Decken, Säulen und Kommunikationsunterstände sind aus Edelstahl gefertigt, was den Effekt eines Spiegels ergibt. An den Wänden hängen Bildschirme. Alle Schienenträger sind tragfähig – Sie können Ausstellungen und Dekorationsstoffe daran aufhängen. Sie erleichtern die Organisation von Ausstellungen, beispielsweise von Kinderzeichnungen.

- Seit mehr als zehn Jahren zieht sich die Geschichte des SamArta-Projekts hin. In dieser Zeit hat sich viel verändert. Daher ist die Frage nach der Relevanz von Innenraumlösungen sehr akut.

Trotz der langen Planungs- und Bauzeit ist das Gebäude modern. Nicht weit von Paris entfernt liegt die Stadt Avignon. Dort gibt es ein Festivaltheater, das mit den gleichen Saalparametern wie SamArt gebaut wurde. Aber unser Gebäude wurde viel früher gebaut als das französische. Und das SamArta-Projekt ist viel komplizierter. Die Innenräume des Theaters wurden fertiggestellt, als die Box des Gebäudes fertig war. Sie sind laut den Bewertungen von Regisseuren und Schauspielern relevant, und dies wurde von Gästen unterschiedlichen Niveaus bei der Eröffnung der zweiten Bühne festgestellt.

Autorität und Standards

- Die Geschichte mit „SamArt“ zog sich lange hin. Und jeder interessiert sich dafür, was der wahre Grund für so lange Zeit war.

Es gab mehrere Gründe: das Budget, Änderungen in den Vorschriften. Die erste Prüfung fand im Jahr 2004 statt. Es gab zwei weitere Prüfungen im Zusammenhang mit einer Änderung der Normen und technischen Spezifikationen für das Design. Die letzten Änderungen wurden kurz vor der Inbetriebnahme des Objekts vorgenommen.

Während der Arbeit an SamArt kam es bereits mehrfach zu Behördenwechseln in der Region. Wie wurde das Projekt von verschiedenen politischen Kräften unterstützt?

Der ehemalige Gouverneur Nikolai Merkuschkin schob den Besuch bei SamArt lange auf, aber er wusste, wie die Dinge liefen. Daraufhin besuchte er das Theater und unterstützte uns. Dmitry Azarov war beim Bau des Theaters sehr aufmerksam. Seinerseits war ihm stets klar, wie wichtig dieses Objekt und seine Unterstützung sind. Seine Aufmerksamkeit und sein Interesse ermöglichten es, die Inbetriebnahme der Anlage zu beschleunigen.

- Das SamArta-Projekt ist eine großartige Arbeit eines ganzen Architektenteams. Wer hat daran gearbeitet?

Anatoly Barannikov, der Autor der Idee des SamArt-Theaterbauprojekts. Ich bin Chefarchitekt und Autor von Innenraumlösungen. Alle Entscheidungen wurden unter Beteiligung der Theaterleitung Sergei Sokolov und Nikolai Matveev besprochen und getroffen. Sie setzten sich Ziele und stellten Fragen. Wir haben entworfen, wir haben entworfen, wir haben umgesetzt. Ich allein wäre mit einem so großen Objekt nicht zurechtgekommen. Von Anfang an bis heute war der führende Architekt Alexander Varenov an allen Phasen des Theaterprojekts beteiligt. Die Visualisierung der Innenräume erfolgte durch Dmitry Khoroshaylo und Marina Khoroshaylo. Anisya Mingullova war für die Arbeitspläne verantwortlich. Hat jungen Berufstätigen geholfen.

Diese ganze Arbeit ist eine Menge Arbeit. Und es erforderte Zeit und Mühe, die Architekten für kommerziell profitablere Projekte hätten aufwenden können. Wollten Sie nicht aufgeben?

Da ist wirklich viel Energie reingesteckt worden. Manchmal musste ich sehr lange über den Zeichnungen sitzen. Aber das ist eine sehr interessante Arbeit. Teilweise wurde vieles „von Grund auf neu“ gemacht. Aber aufhören – nein! Humanitär wurde viel getan. Allerdings sind solche Objekte recht selten. Kräfte und Gefühle wurden investiert. Es ist wie „Baby“. Jedes Element, jede Ecke des Gebäudes, jeder Schritt ist vertraut. Bei der Inneneinrichtung wurde vor Ort etwas korrigiert. Besonders nach Änderungen in der Architektur und verwandten Abschnitten. Ich bin sehr besorgt über das Schicksal des Gebäudes. Es bleibt nur noch ein Schritt, um den gesamten Komplex fertigzustellen.

- Das alte Gebäude von „SamArt“ ist das ehemalige Projekt von Anatoly Barannikov – das Kino „Timurovets“. Wird von seinem Projekt noch etwas übrig bleiben?

Anatoly Ivanovich hat gerade das Institut abgeschlossen. Er war der Autor von Timurovets, daher berührt uns dieses Thema natürlich sehr. Äußerlich bleibt vom Kino nichts übrig, die Säle und ein Teil der Lobby bleiben jedoch durch Umbau und Umgestaltung erhalten.

Hinter den Kulissen

- Was wurde für die Künstler getan? Wie unterscheidet sich der neue Raum von dem, was er war?

In der ersten Phase wurden Make-up-Räume für die Schauspieler aufgeführt, in der zweiten Phase ging es weiter. Make-up-Räume mit allen Annehmlichkeiten, Sofas und bequemen Plätzen zur Vorbereitung auf Auftritte. Das Wichtigste für die Schauspieler ist der neue Raum der Säle und der Bühne. Entlang des Umfangs der Halle gibt es eine Korridor-Galerie mit der Möglichkeit von Ausgängen an jeder notwendigen Stelle zur Halle und aus der Halle. Im Backstage-Bereich gibt es viele Nebenräume: einen Friseursalon, einen Erholungsbereich, Umkleidekabinen, Werkstätten, Aufzüge für die Kulisse.

In der Galerie gibt es eine Wand, an der das Mauerwerk sichtbar ist. Erzählen Sie uns von dieser Designentscheidung.

Die Galerie ist Geschichte. Dieses Stück mit Sichtmauerwerk war ursprünglich nicht vorgesehen. Das Gebäude war lange Zeit „eingefroren“, an manchen Stellen löste sich der Putz einfach in Bruchstücken. Mir kam die Idee, es mit minimalen Anpassungen und Bemalungen zu belassen. Hier können Sie einige Ausstellungen machen – alte Plakate, Fotografien.

- Können Sie jetzt, wo das Theater die Premiere im neuen Saal präsentiert, erkennen, ob alles nach Ihren Vorstellungen geklappt hat?

Es gab viele Konzepte. Aber wir müssen mit dem Budget und dem Zustand der technischen Netzwerke rechnen. Wir haben innerhalb gewisser Grenzen umgesetzt, was wir geplant hatten. Mit der Unterstützung der Theaterbesucher konnten interaktive Wände, eine Kulisse – ein dünner Bildschirm, Deckenleuchten – Minicomputer und vieles mehr fertiggestellt werden. Dies verlieh den Innenräumen Ausdruckskraft.

- Ihre Tochter ist ebenfalls eine erfolgreiche Architektin und arbeitet in Moskau. Hatte sie Gelegenheit, Ihre Arbeit zu sehen und dazu Stellung zu nehmen?

Ja, sie hat das Projekt gesehen und es hat ihr gefallen. Sie ist die Autorin eines sehr interessanten innovativen Jugendzentrums mit ähnlicher Funktion in der Stadt Kaluga. Daher hatten wir etwas zu besprechen und zu beraten. Ich war auch in ihrer Einrichtung. Ich bin begeistert. Es gibt etwas, auf das man stolz sein kann.

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Kreativität (kreative Tätigkeit) – etwas Neues schaffen: neue, nicht standardmäßige Lösungen in Alltagssituationen, etwas Neues schaffen: Texte, Zeichnungen usw. Ein Synonym für das Wort Kreativität ist Kreativität (vom englischen Wort creative – kreativ).

Merkmale einer kreativen Persönlichkeit

Eine gründliche Analyse des Lebensweges vieler Erfinder ermöglicht es uns, sechs Eigenschaften eines kreativen Menschen zu identifizieren – den minimal notwendigen „kreativen Komplex“. Das ist ein würdiges Lebensziel, Arbeit nach Plan, hohe Effizienz, gute Problemlösungstechnik, die Fähigkeit, eigene Ideen zu verteidigen und – Effektivität. Siehe →

Psychotherapeutische Ausbildung, Selbstständigkeit und Kreativität

Meinung getroffen:

„Die Aufgabe der psychotherapeutischen Ausbildung besteht zunächst darin, die Fähigkeit eines Menschen wiederherzustellen, Lebenssituationen selbständig zu bewältigen. Die störende repetitive Handlungsweise, die zu einem Problem führt, zu beseitigen. Die Fähigkeit zur Kreativität wiederherzustellen, damit a „Der Mensch kann seine Probleme selbständig bewältigen. Natürlich wird jeder einen Weg haben, damit umzugehen – meinen.“

Das ist nicht wahr. Siehe Details →

Diese kurze Vorlagenliste basiert auf Reisefotos, die ich in den letzten Wochen gemacht habe. Die Liste erhebt keinen Anspruch auf Vollständigkeit, enthält aber Kompositionstechniken, die ich am häufigsten verwende.

Beginnen wir mit den Grundlagen:

Grundlegende Vorlagen für die Fotokomposition

Drittelregel mit klarem Hintergrund

Eine einfache und effektive Möglichkeit, das Motiv hervorzuheben und dem Bild Dynamik zu verleihen. Eine Platzierung nach der Drittelregel für Dynamik (Platzierung in der Mitte für statische Szenen) und ein sauberer Hintergrund helfen dem Betrachter, sich auf das Hauptmotiv zu konzentrieren und nicht in den Rahmen zu wandern. Der Hintergrund kann so einfach wie eine normale Wand sein oder der Hintergrund kann unscharf sein. Idealerweise sollten Sie Farben zwischen Motiv und Hintergrund wählen, die gut zusammenpassen und sich gegenseitig ergänzen.

Drittelregel mit ausgewogenem Hintergrund

Wenn Sie einem Bild mehr Storytelling verleihen möchten, versuchen Sie, einen Hintergrund zu finden, der das Thema ausbalanciert. Helfen Sie den Augen des Betrachters, zwischen dem Motiv und dem Hintergrund zu wechseln. Gleichzeitig ist es dennoch wichtig, den Hintergrund frei von Details zu halten, damit diese nicht verwirren und die Aufmerksamkeit auf sich ziehen.

Drittelregel mit lebhaftem Vordergrund

Diese nützliche Vorlage ist vom Fotojournalismus inspiriert. Es wird dazu beitragen, dem Bild ein Gefühl von Aktion zu verleihen. Der gesättigte Vordergrund der Aufnahme vermittelt ein Gefühl von Dynamik und hilft, den chaotischen Hintergrund zu verbergen.

Dynamische Diagonale

Ein sehr einfaches, aber effektives Muster, das bei der Bewältigung einer Aktion hervorragend funktioniert. Vielmehr als gerade Linien erhöhen Diagonalen die Dynamik und leiten den Blick des Betrachters durch das Bild.

Rahmeneinrahmung

Es ist nicht nötig, diese beliebte Kompositionstechnik, die auch „Rahmen im Rahmen“ genannt wird, einzuführen. Dies ist eine effektive Möglichkeit, den Blick des Betrachters auf ein bestimmtes Element des Bildes zu lenken.

Den Rahmen mit Menschen einrahmen

Hier ist es etwas kniffliger, aber immer noch effektiv, vor allem bei der Verwendung von Weitwinkelobjektiven. Die Idee besteht darin, die Menschen als natürlichen Rahmen für das Hauptthema zu nutzen und gleichzeitig Leitlinien für mehr Dynamik zu schaffen.

Regel 10

Dieses Mal besteht die Idee darin, im größten Teil des Bildes ein leeres Gefühl zu erzeugen, um ein dramatischeres Ergebnis zu erzielen. Diese Technik eignet sich gut für Silhouetten oder dunkelblaue Himmel. Grundsätzlich sorgen Leerräume in einem Bild für mehr Dramatik.

Dreieck

Als einfachste Form hilft das Dreieck den Augen des Betrachters, den drei Hauptelementen zu folgen, die den Rahmen füllen. Beachten Sie, dass es wichtig ist, den Rahmen wirklich mit Elementen zu füllen und keinen unnötigen Leerraum zu hinterlassen.

Platzierung in der Mitte

Einer meiner Lieblingstricks besteht darin, das Motiv in der Mitte zu platzieren und den Hintergrund symmetrisch abzutrennen. Dies verleiht dem Bild ein Gefühl von Einfachheit und Ausgewogenheit. Der Mangel an Dynamik ist ideal für ruhige und friedliche Szenen, aber ich persönlich bevorzuge es, diese Ruhe und Vorhersehbarkeit durch die dynamische Bewegung des Motivs zu brechen.

Porträt: „Blick in den Rahmen“

Wenn der Porträtierte zur Seite blickt, entsteht eine Spannung im Bild, die den Blick des Betrachters auf beide Seiten des Bildes lenkt.

Guillotine

Hier geht es darum, den Kopf des Motivs aus der Bildkomposition zu entfernen. Dies geschieht, um den Schwerpunkt auf andere Elemente zu legen: Hände, Füße, Werkzeuge usw. Die Aufmerksamkeit des Menschen wird in erster Linie automatisch auf die Augen gelenkt. Wenn Sie also den Kopf (und damit die Augen) beschneiden, lenken Sie die Aufmerksamkeit auf den Rest des Bildes. Es ist nicht notwendig, den gesamten Kopf zu entfernen, es reicht aus, die Augen zu entfernen.

Während diese Muster Ihnen helfen, schnellere Entscheidungen zu treffen, können sie Ihre Kreativität blockieren, wenn die Aktion schnell erfolgt.

Auf Reisen traf ich oft auf fortgeschrittene Fotografen, deren Arbeit vorübergehend stagnierte. Sie wissen alles über Kameraeinstellungen und grundlegende Kompositionsregeln, aber es fällt ihnen schwer, über ihre üblichen Bilder hinauszugehen. Beim Durchsehen ihres Portfolios fällt mir ein Wort ein: „Vorhersehbarkeit“. Wenn ich Bild für Bild durchblättere, sehe ich die gleichen Muster. Die Fotos sind natürlich sehr gut, allerdings mangelt es ihnen aufgrund des Übermaßes an Vorlagen an Originalität.

Daher nutzt der umsichtige Fotograf Vorlagen, um schneller und effizienter zu sein, passt diese aber auf originelle Weise an jede spezifische Situation oder jeden einzelnen Moment an.

Es ist auch wichtig, immer wieder neue Muster zu erstellen, aus denen Sie sich jederzeit abmelden können. Dies hilft dem Fotografen, Originalität zu entwickeln und zu bewahren.

Wenn Sie Ihre Fotos verbessern möchten, überprüfen Sie Ihre Arbeit: Welche Muster erkennen Sie darin? Sind sie überflüssig? Gibt es zu viele davon auf Ihren Bildern? Wenn Sie Ihren Mustern zu sehr folgen, werden Sie am Ende immer wieder die „vorhersehbarsten“ Kompositionen aufnehmen.

Wie unterscheiden sich Ihre Lieblingsbilder von anderen, wenn Sie sie betrachten? Wie haben Sie es geschafft, die üblichen Muster zu durchbrechen und originellere Bilder zu schaffen?

Was können wir tun, um mit unseren gewohnten Mustern zu brechen und kreativere Bilder zu schaffen?

Machen Sie sich frei und werden Sie kreativ

Studieren Sie die Arbeit anderer Fotografen

Am einfachsten ist es, sich die Arbeiten anderer Fotografen anzusehen. Wenn Sie Bilder von Kollegen sehen, die Sie anmachen, schauen Sie sich die Bilder an und analysieren Sie sie. Versuchen Sie zu verstehen, welcher Teil der Komposition diesem Bild etwas Besonderes verleiht? Wir alle können viel lernen, wenn wir uns die Arbeit anderer Leute ansehen. Das ist also ein guter Anfang.

Warum nicht in Fortsetzung dieser Idee einen Fotokurs in einem unbekannten Gebiet belegen? Anfang des Jahres nahm ich an einem Dokumentarfotografie-Workshop in Malaysia teil. Dieses Ereignis öffnete mir die Türen zu einer neuen Welt. Als professioneller Reisefotograf hätte ich mir so etwas nie vorgestellt.

Werfen Sie einen frischen Blick

Es gibt Tools, mit denen man die Dinge neu betrachten kann. Das wichtigste davon ist Licht. Indem Sie sich ausschließlich darauf (und auf den Schatten) konzentrieren, können Sie beginnen, die Dinge anders zu sehen. Wenn das Licht nur auf einen bestimmten Teil des Motivs fällt, können Sie den im Schatten liegenden Teil entfernen und die Komposition ändert sich sofort. Wenn wir uns auf das Licht konzentrieren, vergessen wir unsere Muster und folgen nur den Linien und Richtungen, die uns die Lichtstrahlen vorgeben.

Veränderung zum Besseren

Ich finde es auch sehr nützlich, die Situation umzukehren, wenn wir unser Image ersetzen. Anstatt sich zu fragen, was ich in den Rahmen aufnehmen möchte, konzentrieren Sie sich auf die Elemente, die Sie nicht benötigen und ausschließen möchten.

Dieser Ansatz ergänzt die Methode, bei der wir Licht zum Aufbau einer Komposition verwenden. Anstatt über Ihre übliche Rahmenkonstruktion (Motiv, Hintergrund usw.) nachzudenken, die von abgedroschenen Mustern vorgegeben wird, denken Sie nur an die wesentlichen Bedingungen: an das Licht und die Linien, die es erzeugt. Wenn Sie sich entscheiden, ein anderes Element zu entfernen, versucht Ihr Gehirn nicht mehr, anhand einer der Vorlagen zu komponieren, sondern folgt einfach dem, was das Licht vorgibt.

Verwenden Sie unterschiedliche Geräte

Ich denke, eine weitere gute Möglichkeit besteht darin, verschiedene Kameras zu verwenden. Natürlich ist die Ausrüstung beim Fotografieren nicht das Wichtigste, aber durch den Einsatz verschiedener Werkzeuge können Sie Ihre gewohnten Muster durchbrechen.

Wenn ich Leute sehe, die großartige Porträts mit weit geöffneten 85-mm- oder 100-mm-Objektiven aufnehmen, rate ich ihnen, eine Zeit lang 35-mm-Objektive mit Blende 8,0 zu fotografieren. Dann hören sie auf, wie gewohnt zu denken und beginnen, die Dinge mit neuen Augen zu betrachten. Auf die gleiche Weise können Sie versuchen, die üblichen Proportionen zu ändern. Wenn Sie zur Aufnahme im quadratischen Format wechseln, hat die Drittelregel einen anderen Effekt, Sie werden sehen, wie sich der Rahmen stapelt.

Im Kopf arbeiten

Aber ich denke, der beste Weg liegt nicht in der Technik, sondern darin, im Kopf zu arbeiten. Mit anderen Kameras, Objektiven, Parametern und Proportionen verlässt man tatsächlich seine Komfortzone. Dann betreten Sie die Lernzone. Aber das wird nicht passieren, wenn Sie nur Dinge tun, in denen Sie gut sind.

Wenn Sie versuchen, Ihren Geisteszustand zu ändern (ich spreche nicht davon, im betrunkenen Zustand zu fotografieren, obwohl diese Option auch zu interessanten Ergebnissen führen kann), wird sich Ihre Fotokomposition sofort ändern.

Wenn Sie wie ich ein Reisefotograf sind, warum werden Sie dann nicht für einen Tag Fotojournalist? Ich finde, dass meine Aufnahmekompositionen und Herangehensweisen sehr unterschiedlich sind, wenn ich an einem Langzeitprojekt und/oder einer Bildserie arbeite. Ich verbringe mehr Zeit damit, die verschiedenen Elemente der Situation zu studieren: Ich arbeite an den Details, den Formen, den Mustern und versuche, die tieferen Emotionen der Charaktere einzufangen – darauf kann ich mich voll und ganz konzentrieren und nicht auf die Komposition der Aufnahme.

Straßenfotografie ist ein weiterer Bereich, in dem ich viele Inspirationen erhalten habe. Als Straßenfotograf durch die Straßen zu gehen, erfordert eine völlig andere Herangehensweise als die Reisefotografie. Dabei muss ich darauf verzichten, Dinge zu fotografieren, die mir vertraut sind, und nach neuen, originellen Elementen suchen. Ich bin mehr damit beschäftigt, nach Lichtern, Schatten, Formen oder lustigen Szenen zu suchen, die sich auf der Straße abspielen.

Sobald Sie Ihre Komfortzone verlassen, müssen Sie sich völlig neue Regeln für die Fotokomposition ausdenken, die zum Experimentieren führen und Ihnen höchstwahrscheinlich etwas beibringen werden. Vielleicht wird es zunächst schwierig, Enttäuschungen sind nicht ausgeschlossen. Aber ist etwas von Interesse, wenn es zu einfach ist?
Durch

Ein Bild sagt mehr als tausend Worte. Dieser alte, abgedroschene Satz ist relevanter denn je, wenn es darum geht, die Aufmerksamkeit eines Publikums zu erregen. Da Fakten Fakten sind, bestätigen zahlreiche Studien, dass Bilder die Aufmerksamkeit der Menschen erregen.

Experten von HubSpot, einem Softwareunternehmen für Vermarkter, haben interessante Statistiken zusammengestellt, die zeigen, wie wirkungsvoll visuelle Inhalte als Kommunikationsinstrument sein können:

  • Artikel mit thematischen Illustrationen erhalten 94 % mehr Aufrufe als Webseiten mit Text ohne Bilder.
  • Menschen erinnern sich besser an Informationen, wenn die Daten illustriert sind (nur 10 % von dem, was sie gehört haben, bleiben im Gedächtnis, aber wenn der Inhalt audiovisuell war, kann eine Person auch nach drei Tagen 65 % der erhaltenen Informationen reproduzieren).
  • Die Wahrscheinlichkeit, dass visuelle Inhalte viral gehen und in sozialen Medien geteilt werden, ist 40-mal höher.

Im Design haben visuelle Bilder eine große Bedeutung, ihre Rolle kann kaum überschätzt werden. Bilder tragen dazu bei, fast jedes Projekt effektiver und einprägsamer zu machen. Und wenn ein Designer möchte, dass sich seine Arbeit von anderen ähnlichen Projekten abhebt, muss er gut auf den visuellen Inhalt achten.

Es spielt keine Rolle, ob Sie Ihre eigenen Fotos oder Bilder aus dem Bestand verwenden, bevor Sie sie in einem Projekt verwenden, müssen Sie sicherstellen, dass mit ihnen alles in Ordnung ist. Größe, Bildkomposition, Farbwiedergabe, Weißabgleich – im wahrsten Sinne des Wortes ist alles wichtig. Und um Ihnen die Arbeit zu erleichtern, können alle Anpassungen in Canva vorgenommen werden.

Framing: sich auf das Wesentliche konzentrieren und komponieren

Zuschneiden ist eine der besten Möglichkeiten, ein Bild zu verbessern. Durch Zuschneiden können Sie unnötige oder störende Elemente des Rahmens entfernen, die Komposition verbessern und das Wichtigste hervorheben.

Aufmerksamkeit! Wenn Sie sich entscheiden, das Bild zuzuschneiden, entfernen Sie nicht zu viel, sondern gehen Sie schrittweise vor. Wenn das Bild zu stark beschnitten wird, können viele wichtige Dinge verloren gehen. Darüber hinaus verringert ein starker Ausschnitt die Qualität und Auflösung des Bildes. Wenn ein so stark beschnittenes Bild plötzlich vergrößert werden muss, zerfällt es daher in Pixel.

Es gibt eine relativ sichere Methode zum Zuschneiden – dies ist die Drittelregel. Das Originalbild wird vertikal und horizontal in drei Teile geteilt, wodurch über dem Bild ein Gitter aus zwei horizontalen und zwei vertikalen Linien erscheint. Hier, schau:

So beschneiden Sie in Canva:
  • Klicken Sie auf das Bild, das Sie zuschneiden möchten
  • Wählen Sie in der Dropdown-Menüleiste „Zuschneiden“ aus.
  • Über dem Bild erscheint ein Rahmen mit Markierungen an den Ecken. Durch Ziehen können Sie einen neuen Rahmen erstellen, indem Sie unnötige Teile des Bildes entfernen
  • Wenn die Arbeit abgeschlossen ist, bestätigen Sie die Änderungen, indem Sie auf das Häkchen über dem Bild klicken

Das Zuschneiden in Canva kann beliebig oft wiederholt werden, bis das gewünschte Ergebnis erreicht ist. Wenn es beim ersten Mal nicht funktioniert, öffnen Sie einfach die Quelle erneut und versuchen Sie es erneut.

Unschärfe: Hintergrundbilder verbessern

Manchmal müssen Bilder hervorstechen, aber manchmal sollten sie nicht im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit stehen. Es ist nicht verwunderlich, aber manchmal funktioniert das Bild gut als „Voice-Over“. Nun, Sie haben verstanden, dass es sich um Hintergrundbilder handelt.

Fotos, besonders gute, können jedes Design aufwerten. Da sich jedoch meistens herausstellt, dass der Text über der Hintergrundillustration platziert ist, entsteht ein Problem: Aufgrund der vielen kleinen Details im Foto ist der Inhalt schlecht lesbar.

Was kann man in so einem Fall tun? Alternativ können Sie einen Unschärfeeffekt auf das Bild anwenden. Dadurch wird der Hintergrund weicher und prägnanter. Wenn Sie sich nicht zu sehr von der Unschärfe hinreißen lassen, können Sie im Hintergrundfoto erkennbare Bilder speichern, die für einen Gesamteindruck sorgen.

Mithilfe der Unschärfe können Sie nahezu abstrakte Hintergründe mit sanften Farbübergängen oder Bilder mit unbestimmten Formen erstellen. Das ist eine gute Lösung, wenn dem Design etwas Dynamik verliehen werden soll. Gleichzeitig sieht das Bild viel besser aus als nur ein einfacher Hintergrund und weist gleichzeitig keine störenden Details auf.

So verwischen Sie ein Bild in Canva
  • Öffnen Sie das gewünschte Bild
  • Suchen Sie in der Dropdown-Menüleiste den Eintrag „Filter“ (Filter).
  • Klicken Sie in der unteren linken Ecke der angezeigten Palette auf den Eintrag „Erweiterte Optionen“ (Zusätzliche Funktionen).
  • Der Weichzeichnungsregler befindet sich an dritter Stelle von unten. Durch Verschieben können Sie die Effekteinstellungen steuern.

Manchmal passiert es, dass im Editor nichts passiert. Um sicherzustellen, dass das Bild unscharf war, müssen Sie vom Bild wegklicken und sehen, was sich geändert hat. Aber häufiger funktioniert alles gut und man sieht sofort, wie die Unschärfe funktioniert.

Sättigung: Ändern Sie die Intensität der Farbtöne

Fotografen und Designer experimentieren häufig mit der Sättigung, um Farbtöne leicht abzuschwächen oder zu verstärken. Je weniger gesättigt die Farbe ist, desto eher ähnelt sie einem Grauton. Nimmt man das Bild auf und verfärbt es komplett, erhält man das gewohnte Schwarz-Weiß-Bild. Und wenn die Reduzierung der Sättigung relativ sicher ist, müssen Sie bei der Verstärkung sehr vorsichtig sein – zu helle Farben können unnatürlich wirken.

So ändern Sie die Sättigung in Canva:
  • Wählen Sie „Filter“ aus dem Dropdown-Menü
  • Klicken Sie auf „Erweiterte Einstellungen“
  • Saturatoin-Schieberegler (Sättigung) dritter von oben
  • Bewegen Sie den Schieberegler nach links oder rechts von der Mitte, um die für Sie passende Option zu finden.

Kontrast: Arbeiten mit Licht und Schatten

Um einen dramatischen Effekt zu erzielen, wird häufig eine Kontrastverstärkung eingesetzt. Durch die Erhöhung des Kontrasts werden die Schatten tiefer und die hellen Elemente des Bildes erscheinen deutlich heller. Reduziert man den Kontrast, wird das Bild eintöniger. Wie bei der Sättigung ist zu viel Kontrast nicht immer gut. Manche Bilder profitieren vom Kontrast, aber Sie sollten sich von dieser Technik nicht hinreißen lassen, insbesondere wenn das Originalbild von ausreichend guter Qualität ist.

Arbeiten mit Kontrast in Canva:
  • Gehen Sie im Dropdown-Menü auf „Filter“
  • Kontrast – zweiter Schieberegler von oben
  • Indem Sie den Schieberegler nach rechts bewegen, können Sie den Kontrast im Bild erhöhen. Wenn Sie die Markierung nach links bewegen, werden die Farbtöne gedämpft.

Helligkeit

Nicht jeder kann mit Sicherheit sagen, ob es sich lohnt, das Bild mehr oder weniger hell zu machen. Ein zu helles Bild kann einen Teil seines Inhalts verlieren. Den gleichen Effekt kann man erzielen, indem man das Foto weniger hell macht.

In jedem Fall ist es am besten, bei hochwertigen Bildern mit der Helligkeit zu experimentieren, da Sie das gewünschte Ergebnis erzielen können, indem Sie es etwas heller oder dunkler machen. Wenn die Quelle mittelmäßig ist, ist es besser, sie überhaupt nicht anzufassen. Sie müssen bedenken, dass jede Bearbeitung das Bild verändert, aber die Helligkeit ist der gefährlichste Effekt. Der kleinste Fehler – und das Bild gerät aus dem Gleichgewicht. Daher ist es besser, mit der Helligkeit zu arbeiten, wenn genaues Vertrauen in die Notwendigkeit dieser Manipulation besteht.

Arbeiten mit Helligkeit in Canva
  • Klicken Sie auf das Bild, das Sie ändern möchten
  • Wählen Sie „Filter“ aus dem Menü
  • Helligkeit ist der oberste Schieberegler
  • Bewegen Sie die Markierung nach links oder rechts, um die Lichtstärke zu ändern
  • Wenn Sie den Schieberegler nach rechts bewegen, wird das Bild heller, und wenn Sie den Schieberegler nach links bewegen, wird das Bild dunkler.

Andere Möglichkeiten zur Verbesserung Ihrer Bilder

Filter. Dank Instagram und anderen Apps sind Filter zu einem sehr beliebten Fotobearbeitungstool geworden. Filter werden häufiger verwendet, um einem Bild einen „künstlerischen“ Effekt zu verleihen. Doch bei geschickter Anwendung kann ein richtig ausgewählter Filter das Originalbild deutlich verbessern. Im Canva-Menü gibt es viele voreingestellte Filter, mit denen Sie die Optionen durchsuchen können, um den am besten geeigneten Effekt zu finden und ihn dann auf das Bild anzuwenden.

Komposition. Jedes Designprojekt basiert auf einem Raster – das ist die Grundlage der Komposition. Mit Canva können Sie eine Komposition aus mehreren Bildern erstellen. Am einfachsten wählen Sie im Bereich „Layouts“ eine passende Vorlage aus und füllen diese mit Ihren eigenen Bildern.

Rahmen. Manchmal müssen Sie einem Bild einen einfachen oder dekorativen Rand hinzufügen. Rahmen können sehr unterschiedlich sein: groß und klein, farbig und nicht, rund oder eckig. Wenn das Design erfordert, dass das Bild in einem Rahmen platziert wird, finden Sie alles, was Sie brauchen, im Online-Grafikeditor Canva.

Layering oder Overlay. Unschärfe ist eine der wichtigsten Möglichkeiten, den Hintergrund stummzuschalten, um die Lesbarkeit des Textes zu verbessern. Sie können jedoch ungefähr das gleiche Ergebnis erzielen, ohne die Schärfe des Hintergrundbilds zu ändern. Diese Methode wird als Überlagerung bezeichnet. Eine weitere Ebene der gewünschten Farbe wird über das Originalbild gelegt. Anschließend müssen Sie mit der Transparenz spielen. Dadurch können Sie nicht nur den Text besser lesbar machen, sondern auch den Farbton des Hintergrundbilds ändern.

Typografie. Bisher ging es um die Arbeit mit Bildern. Aber auch der Text ist oft Teil der Illustration. Kann ich in Canva mit Text arbeiten? Natürlich, ja, es gibt alles, was Sie dafür brauchen. Sie können eigene Überschriften, Zwischenüberschriften und Textkörper hinzufügen sowie den Schriftstil und die Schriftgröße ändern. Canva verfügt außerdem über mehrere vorinstallierte Textdesigns und über 100 verschiedene Schriftarten, die Sie Ihrer Liste hinzufügen können, indem Sie sie von Ihrem Computer herunterladen.

SCHAFFUNG. Unter Kreativität wird üblicherweise künstlerisches, wissenschaftliches und technisches Schaffen verstanden. Aber das kreative Element findet in jeder Art von Aktivität statt: im Geschäft, im Sport, im Spiel, in einem einfachen Denkprozess, in der täglichen Kommunikation, wie der berühmte Physiker und Akademiker P. Kapitsa sagt, überall dort, wo eine Person nicht nach Anweisungen handelt. Das Wesen der Kreativität liegt in der Entdeckung und Schaffung von qualitativ Neuem, das einen gewissen Wert hat. In der wissenschaftlichen Kreativität werden neue Fakten und Gesetze entdeckt, was existiert, aber nicht bekannt war. Technische Kreativität erfindet etwas, das es nicht gab, neue Geräte. In der Kunst werden neue spirituelle, ästhetische Werte entdeckt und neue künstlerische Bilder, neue künstlerische Formen geschaffen, „erfunden“. Philosophische Kreativität vereint die Merkmale wissenschaftlicher und künstlerischer Kreativität.

Verschiedene Arten von Kreativität unterscheiden sich in den Ergebnissen und Produkten der Kreativität, gehorchen jedoch denselben psychologischen Gesetzen. Jeder Prozess der Kreativität setzt ein Subjekt der Kreativität voraus, einen Schöpfer, der durch bestimmte Bedürfnisse, Motive, Anreize zur Kreativität motiviert ist und über bestimmte Kenntnisse, Fähigkeiten und kreative Fähigkeiten verfügt. Gemeinsam sind die Hauptphasen des kreativen Prozesses: Vorbereitung, Reifung („Inkubation“), Einsicht („Einsicht“) und Verifizierung.

Die natürlichen Neigungen zu kreativen Fähigkeiten sind jedem Menschen inhärent. Um sie jedoch zu offenbaren und in vollem Umfang zu entfalten, bedarf es bestimmter objektiver und subjektiver Voraussetzungen: frühzeitige und geschickte Ausbildung, ein kreatives Klima, willensstarke Eigenschaften einer Person (Ausdauer, Fleiß, Mut usw.).

Der größte Feind der Kreativität ist Angst. Angst vor dem Scheitern hemmt Fantasie und Initiative. Ein weiterer Feind der Kreativität ist zu große Selbstkritik, Angst vor Fehlern und Unvollkommenheiten. Wer kreative Fähigkeiten entwickeln möchte, sollte bedenken, dass Unzufriedenheit der Ferment des Neuen ist. Sie erneuert die Kreativität. Fehler sind häufige und unvermeidliche Erfolgsbegleiter. Aus der Sicht des Zeichenunterrichts sind die Mängel noch „interessanter“ als die Vorzüge, ihnen fehlt die gleiche Perfektion, sie sind vielfältig, sie spiegeln die Persönlichkeit des Schöpfers wider. Die Fähigkeit, Fehler zu finden, ist genauso wichtig wie die Erhaltung des Guten in der Arbeit. Der dritte ernsthafte Feind der Kreativität ist Faulheit und Passivität. Selbst eine kleine Aufgabe muss mit vollem Einsatz erledigt werden.

Der Kern der Kreativität, der Höhepunkt des schöpferischen Aktes ist „Erleuchtung“, Einsicht, wenn eine neue Idee ins Bewusstsein eindringt, eine neue Idee entsteht (generiert) – wissenschaftlich, philosophisch, technisch oder künstlerisch. Dies führt jedoch oft zu einem langen Weg der Vorarbeit, bei dem die Voraussetzungen für die Geburt des Neuen geschaffen werden.

Eine davon ist Wachsamkeit bei der Suche nach Problemen, die Fähigkeit und der Wunsch zu sehen, was nicht in den Rahmen des zuvor Erlernten passt. Dies ist eine besondere Beobachtung, die sich durch einen frischen Look auszeichnet. Grundlage einer solchen Beobachtung ist die Verbalisierung visueller (oder auditiver) Erfahrungen, also deren Ausdruck mit Hilfe von Wörtern oder anderen Informationscodes.

Es kann wichtig sein, das gesamte Bild, die gesamte Argumentationskette zu erfassen und mit einem Blick zu einem verallgemeinernden Konzept oder Symbol zusammenzufassen. Ökonomische Symbolik – ob wissenschaftliches oder künstlerisches Symbol – die Benennung von Informationen ist die wichtigste Voraussetzung für kreatives, produktives Denken.

Von wesentlicher Bedeutung ist die Fähigkeit, die trainiert werden kann und sollte, um die bei der Lösung eines Problems erworbenen Fähigkeiten auf die Lösung eines anderen Problems anzuwenden. Es ist notwendig, verallgemeinernde Strategien und Algorithmen zu entwickeln. In der Schachkreativität wird dies beispielsweise durch die Lösung von Schachproblemen und die Analyse von Etüden erleichtert. Es ist sinnvoll, nach Analogien zu suchen. In der technischen Kreativität beispielsweise basiert ein ganzer Trend namens „Bionik“ auf der Verwendung von Proben aus Wildtieren. Der Mythos von Daedalus erzählt von seinem Neffen, der die Säge erfand und sich dabei das Rückgrat eines knöchernen Fisches zum Vorbild nahm.

Analogie verteilt die Aufmerksamkeit weit, schafft Bedingungen für „Querdenken“, die Fähigkeit zum „Nachdenken“ und den Weg zu einer Lösung anhand von „externen“ Informationen zu erkennen. Die Analogie ist erfolgreich, wenn das Problem zu einem stabilen Ziel der Aktivität wird, zu seiner Dominanz.

Zweck, d.h. Die Frage nach der Aufgabe ist ein wichtiger Faktor in der Fernassoziation und stellt eine Verbindung zwischen entfernten Bereichen und Konzepten her. Die Fähigkeit, Konzepte und Bilder zu „verknüpfen“, ist für die Kreativität wichtig und notwendig, muss jedoch durch die Fähigkeit ausgeglichen werden, beobachtete Fakten aus gewohnheitsmäßigen Assoziationen zu lösen. Einerseits muss man in der Lage sein, neu wahrgenommene Informationen mit bereits Bekanntem zu kombinieren, um sie in ein bereits etabliertes Wissenssystem einzubinden, andererseits aber auch den Druck des Vorwissens loswerden zu können. Dies erleichtert die Generierung neuer Ideen, beseitigt Trägheit und Denkstarrheit. Träges, unflexibles Denken gewöhnt sich an das normale Funktionieren der Dinge. Der Übergang zu anderen möglichen Funktionen fällt ihm schwer. In diesem Fall sind Übungen zur Auflistung möglicher Verwendungsmöglichkeiten von Alltagsgegenständen wie einem Hammer, einem Ziegelstein, einer Blechdose usw. hilfreich.

Für kreatives Denken ist die Fähigkeit wichtig, sich von einer konsequenten, logischen Betrachtung von Fakten zu lösen und die Elemente des Denkens zu neuen ganzheitlichen Bildern zu kombinieren. So wird im Altbekannten Neues sichtbar. Logisches Denken ist ein Werkzeug zur Analyse, zum Zerlegen eingehender Informationen in Elemente und zum Verbinden dieser zu mentalen Ketten. Diese diskursive Art der Informationsverarbeitung wird durch die Arbeit der linken („Sprach-“) Gehirnhälfte bestimmt. Diese Hemisphäre regiert die rechte Hand. Die andere, rechte Hemisphäre verarbeitet Informationen nicht in Teilen, sondern ganzheitlich mithilfe von Bildern. Es steuert die linke Hand. Bei jedem Menschen dominiert in der Regel die eine oder andere Hemisphäre, und die Menschen werden in „Rechtshänder“ und „Linkshänder“ unterteilt. Kreativität wird als Ergebnis der Arbeit beider Hemisphären entfaltet, aber die „Rechtshänder“ sind geneigt und „geeigneter“ für logisches, analytisches und wissenschaftliches Denken. „Linkshänder“ agieren erfolgreicher im Bereich des figurativen, ganzheitlichen, künstlerischen Denkens. Für eine Person ist es wichtig zu wissen, zu welcher Art von geistiger Aktivität sie gehört. Nach der Klassifikation von I.P. Pavlov werden Menschen in geistige und künstlerische Typen unterteilt. Wenn Sie sich selbst kennen, können Sie sich besser für einen erfolgreicheren Bereich Ihrer kreativen Tätigkeit entscheiden. Wenn „Menschen mit der linken Gehirnhälfte“ (Denktyp) über die Antwort auf eine Frage nachdenken, weicht ihr Blick nach rechts ab, bei Menschen mit der „rechten Gehirnhälfte“ nach links. „Rechtshirnige“ Menschen nehmen Musik besser wahr; bei der Sprache ist für sie nicht nur die Bedeutung von Wörtern wichtig, sondern vor allem die Betonung.

Der Weg zur Lösung des Problems ist in der Regel nicht direkt und eindeutig. Sie müssen zwischen vielen Alternativen wählen. Manche Psychologen reduzieren Kreativität im Allgemeinen auf die Auswahl und Aufzählung von Optionen. Der Auswahlprozess erfordert jedoch einen Übergang von einem Suchfeld zum anderen, manchmal einen radikalen Wechsel der Sichtweise. Hier kommt das Feedback-Prinzip ins Spiel, um die Richtung der Suche zu ändern. Kreativität besteht aus einer bestimmten Anzahl von Zyklen, und jeder weitere beinhaltet eine Bewertung des Erfolgs des vorherigen. Die Fähigkeit zur Bewertung ist eine äußerst wichtige Fähigkeit, eine Idee zu bewerten, bevor sie getestet wird. Zu den Bewertungskriterien zählen die logische Konsequenz, die Übereinstimmung mit bisher gesammelten Erfahrungen sowie ästhetische Kriterien für Eleganz, Einfachheit und Kostenersparnis.

Die Fähigkeit zur Bewertung ist untrennbar mit der zentralen kreativen Fähigkeit verbunden – der kreativen Fantasie. Die wichtigste Bedeutung dieser Fähigkeit liegt darin, dass sie es ermöglicht, sich das zukünftige Ergebnis einer kreativen Suche vor dem Ende der Aktivität vorzustellen, als ob man es vorhersehen könnte. Die Darstellung des erwarteten Ergebnisses unterscheidet grundsätzlich die menschliche Kreativität von der Suchaktivität von Tieren, die überwiegend instinktiver Natur ist. ()

Motive sind neben Fähigkeiten die wichtigste Seite der Kreativität. Kreativität allein führt nicht zu kreativer Leistung. Um Ergebnisse zu erzielen, brauchen Sie Lust und Willen. Motive werden in externe und interne unterteilt. Zu ersteren gehört der Wunsch nach materiellen Vorteilen, nach Sicherung der eigenen Position. Dazu gehören auch „Umstandsdruck“, das Vorliegen problematischer Situationen, die Präsentation einer Aufgabe, Konkurrenz, der Wunsch, Kollegen und Kameraden, Rivalen usw. zu übertreffen.

Viel wichtiger sind innere Motive, die natürlich mit äußeren Umständen verbunden sind und sich durch diese manifestieren. Die Grundlage interner Motive ist ein angeborenes Bedürfnis nach Suchaktivität, eine Tendenz zu Neuheit und Innovation, das Bedürfnis nach neuen Erfahrungen. Für kreativ begabte Menschen bringt die Suche nach etwas Neuem eine viel größere Befriedigung mit sich als das erzielte Ergebnis und noch mehr der materielle Nutzen.

Das wichtigste Motiv für Kreativität sind laut Psychoanalyse unbefriedigte tatsächliche Wünsche, die zu Spannungen in der Psyche führen. Künstler, Schriftsteller und Dichter versuchen beispielsweise, in ihrer Arbeit ein persönliches Problem zu lösen, Spannungen in der Psyche abzubauen und interne Konflikte zu überwinden. Unzufriedenheit entsteht auch aus dem ständigen Wunsch nach Klarheit, Einfachheit, Ordnung und Vollständigkeit.

Das führende Motiv der Kreativität ist auch der Wunsch nach Selbstdarstellung bzw. nach Selbstverwirklichung, der Wunsch, die eigene Persönlichkeit zu behaupten, sich zu verteidigen. Damit verbunden ist auch der Wunsch mancher Menschen, entgegen dem Bestehenden und im Allgemeinen zu handeln erkannt, die Tendenz zum Gegenteil, zur Opposition.

Als natürliches, angeborenes, schöpferisches Prinzip des Menschen steht es im Gegensatz zum technischen Rationalismus, der technischen Tätigkeit des Gestaltens. Dies zeigte sich deutlich in Versuchen, kreative Prozesse am Computer zu modellieren (heuristische Programmierung). Es stellte sich heraus, dass die kreativen Prozesse selbst nicht in Form eines Algorithmus formalisiert werden können.

Der Träger der Kreativität als soziokulturelles Phänomen ist die menschliche Persönlichkeit. Es ist ein Beweis für die spirituelle und persönliche Natur der Kreativität. In der Kreativität manifestiert sich die Persönlichkeit als etwas Freies, Integrales, Unteilbares und Einzigartiges.

In konzentrierter Form liegt Kreativität im künstlerischen, wissenschaftlichen und technischen Schaffen vor. Hier geht die schöpferische Tätigkeit über den Beruf hinaus und wird zur Berufung, oft zum Lebens- und Schicksalsideal. Erfolge und Misserfolge werden hier zu den wichtigsten Ereignissen des Lebens. In der Kreativität ist der Mensch sozusagen „mehr als er selbst“. Je größer der Schöpfer, desto deutlicher manifestieren sich in seinem Werk universelle, allgemeine kulturelle Aufgaben und Probleme.

Evgeny-Becken